Le paysage audiovisuel contemporain trouve régulièrement ses propositions les plus stimulantes dans l’hybridation des genres, où la légèreté de la comédie dramatique se mêle à la noirceur de la satire sociale. La critique culturelle met aujourd’hui en lumière la série britannique Alice et Steve, une création de la scénariste et réalisatrice Sophie Goodhart, disponible sur la plateforme de streaming Disney plus depuis le lundi 8 juin 2026. Cette production a particulièrement marqué l’actualité de l’industrie en s’imposant lors de la dernière édition du festival Canneseries, une manifestation qui se tient chaque année au printemps sur la Croisette juste avant le festival de cinéma international.
La série a réalisé un parcours exceptionnel lors de cette compétition en décrochant le prix de la meilleure série, le prix des lycéens, ainsi qu’un prix spécial d’interprétation décerné à l’unanimité pour l’ensemble de sa distribution. Ce triple triomphe confirme l’attrait persistant des diffuseurs et du public pour l’humour incisif et le cynisme caractéristique des productions d’outre Manche, capables de disséquer les névroses contemporaines avec une acuité remarquable.
Un duo d’acteurs chevronnés pour incarner la crise de la cinquantaine
Le succès d’une telle proposition repose de manière cruciale sur la crédibilité et le timing comique de son couple de protagonistes. Pour incarner les rôles titres, la production a fait appel à deux figures majeures de la fiction anglophone. Le personnage d’Alice est interprété par la comédienne britannique Nicola Walker, dont la réputation s’est solidifiée au cours de la dernière décennie grâce à ses prestations remarquées dans des drames policiers et familiaux de premier plan comme Annika ou Last Tango in Halifax. Face à elle, le rôle de Steve est confié à l’acteur néo zélandais Jemaine Clement, figure incontournable de l’humour absurde mondialement connu pour sa participation à la série culte What We Do in the Shadows, un projet développé à l’origine avec son collaborateur de longue date Taika Waititi.
Ces deux comédiens incarnent avec une délectation évidente un duo de quinquagénaires profondément installés dans leurs certitudes. Amis d’enfance indéfectibles, ils partagent la conviction d’incarner une forme de maturité moderne, cool et spirituelle, totalement en phase avec les évolutions de leur époque. Cette parfaite complicité amicale et ce narcissisme générationnel vont cependant voler en éclats face à un événement imprévu qui va redéfinir l’intégralité de leurs rapports humains.
Le postulat de la discorde et l’analyse du fossé générationnel
Le point de bascule de l’intrigue se produit lorsque Steve entame une relation amoureuse et charnelle avec Izzie, qui n’est autre que la fille aînée d’Alice, sa cadette de vingt cinq ans. Ce choix scénaristique plonge instantanément la mère de famille dans un état d’effroi et de dégoût profond, déclenchant une confrontation sans merci entre les deux anciens confidents. La scénariste Sophie Goodhart utilise ce canevas classique de la comédie de mœurs pour explorer les réactions en chaîne qui perturbent l’entourage immédiat des protagonistes.
La galerie de personnages secondaires permet d’enrichir la réflexion sur les structures familiales actuelles. Autour du conflit central gravitent Daniel, le mari d’Alice, un homme timide et dévoué qui profite de cette crise pour entamer sa propre quête identitaire, ainsi que leur fils Dom, confronté aux premières impasses du sentiment amoureux. De plus, l’introduction des amis d’Izzie, de jeunes adultes fortement politisés et conscients des enjeux sociétaux actuels, vient accentuer la rupture culturelle et idéologique qui sépare Steve de la jeunesse contemporaine, mettant en évidence l’anachronisme de ses postures de séducteur mûr.
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La mécanique narrative du scénario hypothétique et ses limites structurelles
Sur le plan de la construction dramaturgique, la série adopte les codes de ce que les théoriciens du récit nomment une structure hypothétique, un procédé narratif qui consiste à déployer toutes les conséquences logiques et absurdes d’une situation initiale extrême. L’intrigue se propose d’analyser ce qui se produit concrètement lorsque la pire trahison amicale possible survient au sein d’une cellule familiale, interrogeant la légitimité morale d’un amour asymétrique en termes d’âge et les limites de la solidarité parentale.
La critique relève toutefois que cette efficacité narrative se paye au prix d’un certain manque de contextualisation lors du premier épisode. La liaison entre le quinquagénaire et la jeune femme est présentée de manière extrêmement soudaine, exigeant de la part du spectateur un effort d’acceptation immédiat sans que les prémices de cette attirance soient véritablement explicitées. Ce choix de mise en scène constitue la principale faiblesse d’une écriture qui privilégie la vitesse de déclenchement des crises existentielles plutôt que la subtilité psychologique des origines du couple.
La performance centrale de Nicola Walker et l’empathie du spectateur
Le point fort incontestable de ces huit épisodes réside dans la composition magistrale offerte par Nicola Walker. L’actrice déploie une énergie nerveuse et survoltée pour donner corps à cette mère de famille prise au piège de sentiments contradictoires, oscillant en permanence entre le devoir de protection maternelle, une colère sociale légitime et une forme de jalousie inconsciente dont elle ne parvient pas à identifier la cible exacte.
Dans sa recherche obsessionnelle de vengeance et de sabotage, le personnage d’Alice se confronte directement aux injonctions paradoxales qui pèsent sur les femmes de sa génération. Elle tente d’assumer simultanément les rôles de mère irréprochable, d’épouse compréhensive, de collègue performante et de femme moderne pleinement intégrée dans les codes culturels de son temps. Sa trajectoire, jalonnée d’échecs cuisants et de comportements excessifs, suscite alternativement l’agacement, le rire et une profonde empathie, faisant d’elle le sujet d’étude le plus riche et le mieux écrit de la production.
Alice et Steve s’impose comme une réussite notable dans le catalogue des comédies dramatiques de cette saison en trouvant un juste milieu entre la tendresse des sentiments et la férocité du cynisme social. En exploitant un sujet de société potentiellement scabreux pour en faire le moteur d’une satire des comportements de la bourgeoisie urbaine, Sophie Goodhart démontre une nouvelle fois son savoir faire, déjà éprouvé sur la série Sex Education. Portée par un casting exceptionnel qui justifie pleinement sa distinction collective à Canneseries, la série se regarde avec la vivacité d’un divertissement piquant qui, derrière l’absurdité de ses situations, pose des questions fondamentales sur la fragilité des liens amicaux et la redéfinition des codes amoureux au sein de la société contemporaine.
